LAJE: ESPAÇO DE EVENTOS

O novo “Espaço de Eventos” do escritório do Google em SP atende a um programa constituído basicamente por foyer, auditório e uma sala multiuso, organizados em sequência linear em um amplo espaço com pé-direito duplo no último andar do icônico edifício Pátio Malzoni (Avenida Faria Lima). Uma vez que o espaço, em planta, é inevitavelmente compartimentado pelas necessidades do programa e áreas de apoio, reserva-se ao forro o papel cenográfico de um elemento que possa estabelecer a continuidade espacial e unidade conceitual desejável.

A música Sampa, de Caetano Veloso, é utilizada como informação para o design paramétrico, tendo os dados de seu gráfico de frequência e amplitude por tempo convertidos na geometria dos elementos estruturais do forro ao longo de toda sua extensão. Dessa forma, a música literalmente “esculpe” o espaço interno experienciado pelo visitante em seu percurso pelos ambientes. As superfícies de espelhos, que separam os espaços principais junto aos blocos de apoio, interceptam esse percurso e acrescentam novas leituras, ilusórias e ambíguas em relação à continuidade ou à descontinuidade do espaço. O “avesso do avesso”.

Projeto: Espaço de Eventos Google, São Paulo (Brasil)
Data: 2017/2018
Área: 600m²
Cliente: Google
Management: Google/CBRE
Arquitetos: Bruno Campos, Marcelo Fontes e Silvio Todeschi (BCMF Arquitetos), Fernando Maculan e Mariza Machado Coelho (MACh Arquitetos)
Design Gráfico/Sinalização: Hardy Design
Iluminação: Atiaîa Design (Mariana Novaes)

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LAJE: GOOGLE EVENT SPACE

The new “Event Space” at the São Paulo Google Office, in Brazil, has a program configured basically by a foyer, an auditorium and a multipurpose room, organized in a linear sequence within a lofty double-height space located on the top floor of the iconic Patio Malzoni building at Avenue Faria Lima. Once the space, in plan, is inevitably divided by the requirements of the program and back of house areas, the ceiling takes on a scenographic leading role, establishing spatial and conceptual continuity.

The song “Sampa” (by Caetano Veloso), a tribute the city of São Paulo, is used as input information for the parametric design of the ceiling. Data from its graph of frequencies and amplitudes on time is converted on the structure elements of the ceiling along its entire extension. Therefore, the music literally sculpts the inner space experienced by the visitors. The mirror surfaces, which separate the main spaces at the service areas, intercept the circulation flows, adding new ambiguous and illusory perceptions in relation to the continuity (or discontinuity) of the space. The “inside out” of the “inside out”, as the music plays.

Project: Google Event Space, São Paulo (Brasil)
Execution: 2017/2018
Area: 6000sqft
Client: Google
Management: Google/CBRE
Architects: Bruno Campos, Marcelo Fontes e Silvio Todeschi (BCMF Arquitetos), Fernando Maculan e Mariza Machado Coelho (MACh Arquitetos)
Graphic Design/Signage: Hardy Design
Lighting Design: Atiaîa Design (Mariana Novaes)

De uma demanda na PBH [chego, muitas vezes, a pensar que a letra B é de Bartleby], encontro a gênese deste projeto. Pode ser lido como uma crônica, uma crítica, um protesto, uma constatação e uma preocupação. Em 22 de fevereiro de 2018, testemunhei a supressão de uma árvore de grande porte – da espécie Sibipiruna – no Santo Antônio, bairro onde moro, localizado na região centro-sul de Belo Horizonte.

Não havia ainda tomado consciência, mas a operação executada me atinou para o fato de que diversas árvores de grande porte que faziam parte dos meus trajetos cotidianos vinham sofrendo supressões pela prefeitura. E, aparentemente, sem contar com uma política clara de replantio, já que muitas ruas vão acumulando e perenizando os tocos residuais das árvores outrora existentes.

Fui levado a abrir solicitações formais no “serviço de atendimento ao cidadão” – canal da PBH para registro e processamento das demandas da cidade – para a denominada destoca, isto é, a retirada dos tocos e raízes. Uma vez realizada a destoca da referida árvore, o pedido era para, na sequência, proceder com o plantio de nova espécime.

A solicitação de replantio foi prontamente denegada, já que só poderia ser atendida e executada após a destoca. Já a supressão do toco e respectivas raízes – após diligência do órgão responsável –, foi acatada e autorizada. Salvo detalhe: deveria ser observado o incrível prazo de 90 dias para a execução efetiva do serviço.

Cumprido o prazo, nada foi realizado. A partir de novas solicitações, caí no limbo: as demandas sempre retornavam denegadas, já que havia um protocolo previamente aberto e “em processamento”. Independentemente da execução, ou não, do serviço dentro do prazo máximo estipulado.

Com isso, já em processo avançado de resignação, passei a reparar uma ação sistemática: no acelerado processo de verticalização do bairro, os edifícios em construção suprimiam as árvores existentes nas calçadas e replantavam arbustos. Ou, lamentavelmente mais comum, não replantavam nada.

Passei a questionar se não teríamos, então, uma típica discussão sobre correlação e causalidade.

Por óbvio, são implicações. Contudo, tal correlação não implicaria em causalidade. Isto é, construir prédios no bairro Santo Antônio não é, necessariamente, a causa para a supressão das árvores das vias urbanas. Ou seria?

Diante de fenômeno tão complexo e multifacetado, é relevante observar a tomada de posição de arquitetos, urbanistas, engenheiros, construtoras, além, é claro, das demandas, interesses e requisitos que atraem os novos moradores que ocuparão os espaços.

É aquela velha e boa história: não é porque o galo e o nascer do sol estão fortemente correlacionados que a aurora é provocada pelo galináceo. Contudo, há efetivamente dois eventos relacionados, ocorrendo em sincronia impressionante: prédios subindo e árvores descendo.

As correspondências entre os dois eventos, que me parecem conectados entre si, pode até não apresentar uma relação de causa e efeito. Por que será, então, que o surgimento de um edifício induz, reivindica ou condiciona a supressão de uma árvore?

Donde surgiu o +ipê -apê. Faço uso dos tipos da Tanki Stencil – ressalte-se, mais um trabalho incrível do Ricardo Donato. Classificaria como um selo-protesto formado por uma assonância-aliterativa-delirante, convite para exaltar a relevância de se pensar os espaços e as relações na cidade. Pode ser um nada, um sussurro perto da força avassaladora e destrutiva que nossas ações no tempo vão impondo à configuração dos espaços urbanos. Mas é também um sinal de alerta. Afinal, habitar é também costume. Um hábito: quero dizer, uma indumentária e um comportamento.

(Projeto de 2019)

Dois amigos mineiros se associam para construir uma casa de praia. Seja um paradoxo, uma fina ironia ou o princípio de uma velha piada, foi assim mesmo que o convite para participar do projeto da PdQ Kite House chegou até mim.

Na realidade, eles se mudaram com a família para São Luís, no Maranhão, por motivações profissionais. Por lá, descobriram a prática do kitesurf. E se tornaram adeptos amadores. A região é reconhecidamente propícia à tal prática esportiva, dadas as características e qualidade do vento e da topografia.

Daí ao encontro de um espaço no simpático vilarejo de Tutóia, foi um salto. Terreno adquirido, etapas construtivas planejadas, materiais e técnicas consolidadas dentro do escopo do projeto residencial.

Daquilo que poderia servir apenas ao usufruto eventual e particular dos sócios, foi convertido em oportunidade de negócio: os chalés possuiriam características muito especiais para que permanecessem ociosos por longas temporadas.

Neste contexto, fui convidado: proporcionar, digamos, uma abordagem comercial para o empreendimento, viabilizar divulgação interessante no Instagram e locação via Airbnb. De princípio, mais do que branding, place branding ou qualquer outra matéria do gênero, acreditava que o projeto demandava a tradução de um lifestyle. Com uma responsabilidade socioambiental extra: enquanto pioneiros, investindo e desbravando a região, seria relevante pensar na articulação com a vocação turística de Tutóia: respeito ao entorno e à comunidade local.

O nome, que revela as origens, chegou dado: Pão de Queijo Kite House. O meu entendimento seguiu simplesmente para a decomposição e busca de traduções visuais coerentes com as principais características do lugar: o vento, o sol, a água, a areia e o nada, inóspito e paradisíaco.

Uma característica arquitetônica – em conjunto com a constatação das piruetas formais do p, d e q – deu a chave para o desenho: em função do dinamismo da maré, capaz de alagar em certos períodos todo o lote, além da intensidade eólica sobre a areia, a casa foi construída suspensa, deslocada do solo.

Pois procurei tensionar ainda mais essa possibilidade, ressaltando a razão de ser do empreendimento: a prática do kite. Nisto, a própria casa se assume vela, ganha motilidade para abrigar a respectiva alcunha. Tudo de modo leve, solto, sucinto, rústico e performático (como não poderia deixar de ser). Para conferir autonomia e praticidade, o sistema foi inteiramente pensado utilizando recursos disponibilizados pelo Google.

Inaugurado, o espaço tem sido uma curtição e um sucesso. A taxa elevada de ocupação acarreta uma dificuldade bem-vinda para os próprios sócios encontrarem datas disponíveis para usufruir dos chalés. Vale a pena seguir a PdQ Kite House no Instagram, reservar uns dias para estadia no Airbnb, colocar as asas e levantar voo.

(Projeto de 2020)

Completado meio século em destaque no mercado de construção civil de Belo Horizonte, os proprietários da BEL LAR contratam a Hardy Design para traçar um programa de reposicionamento da marca. A ideia parte de uma completa reinvenção, rompendo as convenções e comportamentos relacionados ao que a história construiu.

A exigência: uma chacoalhada profunda e intensa. Buscar no design gráfico uma representação conceitual e visual que refletisse a capacidade adaptativa e resiliente da instituição, pavimentar o terreno para os desafios vindouros.

O fio condutor de todo o sistema de identidade visual converge para a ideia de “casa contemporânea”, vinculando a BEL LAR ao tempo presente, projetada com um olhar para o futuro. A ambiguidade do termo “casa” – lugar e ligar – destaca a conveniente capacidade de agregar elementos tais como a contemporaneidade e a afinidade enquanto sustentáculos de comunicação da BEL LAR.

Todavia, como, efetivamente, representamos um “lar”, essa teia intrincada de memórias e sensações que realiza a mediação entre a intimidade e a vida pública de cada um de nós?

A Teoria das Peles, do austríaco Hundertwasser, foi de grande serventia para configurar a paleta cromática e as texturas institucionais designadas para a BEL LAR. Para ele, o ser humano possui cinco peles: a epiderme natural, o vestuário, a casa, o entorno imediato onde vive e a camada planetária onde todos compartilhamos a vida. Nos serviram ainda de inspiração o curioso e divertido projeto do casal espanhol Anna Devís e Daniel Rueda – que viaja o mundo interagindo com a arquitetura –, o que auxiliou na composição do léxico visual que deveria integrar o branding. Isto é, a BEL LAR como ambiente propício à seleção e incorporação das inúmeras peles que nos constituem cotidianamente.

A identidade precisava, necessariamente, refletir o afeto e acolhimento implícito vinculado ao nome e expressar a sensação de “casa nova”, contemporânea. Isto é, um espaço onde o público de interesse possa se entregar, ser capaz de encontrar sua melhor expressão. Sustentamos a ideia de que a marca se tornasse um convite a uma espécie de ocupação; mais relevante do que aquilo que a preencheria, estaria a potencialidade e liberdade para vir a ser complementada.

Deliberadamente, planejamos também liberdade cromática para expandir a expressividade da comunicação. Dada a natureza do negócio, sustentamos a conveniência da marca se comunicar de modo flexível a partir de composições variáveis.

O logotipo é desenhado, com pequenas modificações, a partir da Calibre (Klim Type Foundry – Nova Zelândia). Os tipos são geométricos, sem serifa, projetados a partir de formas básicas, tais como círculos, quadrados e retângulos.

Do projeto, participaram Cynthia Massote, Mariana Hardy, Camila Antinossi e Mariana Muchon. E conta com uma curiosidade: chegamos a questionar seriamente a amplitude do reposicionamento antes de apresentar o projeto para os clientes. A dúvida residia no grau de ousadia e aversão ao risco que estariam dispostos a assumir. Afinal, também estava em jogo a conveniência e a afetividade de uma longa história familiar. Felizmente, a receptividade e abertura foi imensa e imediata, proporcionando à BEL LAR casar com uma proposta: um futuro sempre presente, surpreendente.

(Projeto de 2017–2018)

Descrição em breve.

Por enquanto, assista ao vídeo que desencadeou todo o processo: ATypI 2016, Special OpenType Session.

(Projeto de 2016–2018)

MapSongs. é um projeto concebido pelo meu amigo publicitário Zé Celso. Objetiva registrar, colaborativamente, todo e qualquer endereço no planeta Terra citado em uma canção. Convidado para materializar essa instigante ideia, logo fui atraído pelo caráter cultural, social e histórico da empreitada.

O conceito da identidade possui fundamento teórico, que busquei no terceiro capítulo do livro “Design para um mundo complexo”, de Rafael Cardoso. O pressuposto é simples: traduzir o cruzamento entre mapas e músicas. Quer dizer, projetar uma marca que represente duas visadas de uma malha: a de fora, conceitual; e a de dentro, experiencial. Por definição, não há simultaneidade, pois uma modalidade de visualização sempre anulará a outra.

Ao analisar o desenho do ícone de cima, tal qual num sobrevoo, temos uma visão abrangente da malha, em que se destacam pontos de interseção formados pelos cruzamentos das linhas. Por outra visada, ao navegar pelo desenho, em grau zero de leitura, estará revelado o nome do projeto, ainda que sob o custo de perda da visualização do mapa. Uma visada só completa o seu sentido quando se introjeta na memória a respectiva concepção oposta e complementar.

Dessa maneira, o mapa em forma de grid serve como acesso e representação, além de poder vir a ser percebido e decodificado numa outra dimensão de entendimento. É um convite à navegação, e nos revela natureza diversa de exploração. A canção se torna ponto, uma referência espacial. O mapa pode, portanto, ser contemplado como a metonímia de uma grande matriz espacial, visual, que se tornará sonora na medida em que triunfar na promoção dos encontros.

É fundamental salientar as ferramentas que o projeto faz uso para ser viabilizado. Um site da plataforma WordPress – capaz de customizar e incorporar o Google Maps –, divulgado via Facebook e consolidado por uma playlist exclusiva no Spotify. Redes de amplo alcance, que o MapSongs. procura conectar, costurar e disponibilizar para o ouvinte-navegante.

Por fim, a identidade visual foi deliberadamente pensada para web. Desde a tipografia PX Grotesk (Optimo) para o desenho tipográfico, assim como a Space Mono, uma Google Font com personalidade marcante para os textos promocionais. E, provavelmente, o aspecto mais impactante da identidade: o Deep Purple, cor-luz capaz de colorir as paisagens sonoras em cada encontro. O projeto continua ativo e aberto para participação. Navegue pelo mapsongs.com.br e envie sugestões para play@mapsongs.com.br.

(Projeto de 2017)

O ano de 2017 marcou minha participação e vitória em um dos prêmios mais tradicionais e importantes do design brasileiro. Acreditei em uma ideia, investi na sua execução e fui coroado na edição que, grata coincidência, ostenta o mesmo número do código de área de Belo Horizonte.

A proposta se materializa no cartaz em chapa de poliestireno amarela com corte especial e impresso em serigrafia a uma cor.

Pauta no protagonismo dos muros. Desde Trump e o muro mexicano, como o Walled Off Hotel, de Banksy, com vista para o da Cisjordânia. Ainda, a polêmica do prefeito de São Paulo, Doria, contra a pichação, reacendendo o debate sobre ocupação e expressão visual no espaço público.

Fiz uso do peso estêncil da família tipográfica Eames, da House Industries. Curioso notar que a Eames homenageia Charles e Ray Eames e honra o legado de dois dos principais designers de todos os tempos.

O cartaz evidencia seu recorte real, não simulado. Isso incrementa o impacto visual da peça gráfica, além de revelar a parede que o sustenta. Hibridiza ou mimetiza cada um dos espaços, tornando sua visualidade potencialmente única. O intenso amarelo da materialidade deixa patente um dos modos de demarcar a 31ª edição do Prêmio e, por que não, de nos reconhecermos brasileiros.

O prêmio

(Muitos dos textos aqui apresentados foram selecionados dos materiais de divulgação do próprio Museu da Casa Brasileira.)

O Prêmio Design MCB, principal e mais antiga premiação de design do país, deu início à primeira fase de sua 31ª edição com o Concurso do Cartaz. Com 362 inscrições, o trabalho vencedor tem autoria do designer gráfico Diego Rodrigues Belo, da AMO Design de Belo Horizonte (MG), que apresentou um cartaz em chapa de poliestireno amarela, recortado com faca especial e impresso em serigrafia a uma cor. A peça vai inspirar toda a identidade visual do 31º Prêmio Design MCB, realizado pelo Museu da Casa Brasileira, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo.

Os cartazes foram avaliados pela comissão julgadora coordenada pela designer gráfica Priscila Lena Farias e os integrantes Baixo Ribeiro, Luiz Félix, Ronald Kapaz e Tadeu Costa. Além do vencedor, o júri também conferiu menção honrosa a dois trabalhos e selecionou outros cinco destaques para serem exibidos no Museu na exposição do 31º Prêmio Design MCB, com abertura dia 11 de novembro.

Foram recebidos cartazes de 14 estados do país. A participação se dividiu entre designers (136 inscritos), arquitetos (45), publicitários e diretores de arte (22), artistas (7), fotógrafos (4) e estudantes – 115 inscritos de mais de 40 instituições de ensino do país. Participantes de outras profissões somam 33 inscritos.

Os jurados

Texto do júri


O Concurso do Cartaz para o 31º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira teve 362 inscritos em 2017. Reunida em uma tarde de outono, no terraço do Museu, a comissão julgadora destacou oito trabalhos, entre eles o cartaz premiado e duas menções honrosas. Os trabalhos destacados exprimem, de maneira exemplar, as diversas propostas recebidas este ano, estabelecendo diálogos com o ambiente urbano, com materiais e artefatos encontrados no dia-a-dia, com a atividade de selecionar e premiar, e explorando associações sugeridas pelo número desta edição do Prêmio.

O cartaz vencedor, de autoria do designer gráfico Diego Rodrigues Belo, da AMO Design (Belo Horizonte), é feito de poliestireno amarelo, com letras recortadas — uma ideia atual, e que traz uma provocação. A escolha levou em conta não apenas a peça, mas a possibilidade de ela ser usada como matriz para reprodução por meio do estêncil, em diferentes suportes, desde uma camiseta até em muros. O autor soube escolher uma fonte robusta, apropriada para a exploração desse recurso, e a aplicou de forma coerente. O resultado é bastante sóbrio, ao mesmo tempo em que evoca a visualidade fora de controle das ruas das grandes cidades. Outro aspecto valorizado pelo júri é que o cartaz proposto possibilita diversos desdobramentos, tais como a inserção de mensagens visuais em seus vazios, que podem ser explorados com diferentes fundos, estáticos ou em movimento, algo conveniente uma vez que a peça será o ponto de partida para a divulgação do Prêmio.

Os dois trabalhos que receberam menção honrosa seguem correntes contrastantes de linguagem gráfica —o minimalismo e o vernacular—, resultando em soluções que sugerem visões bastante diferentes sobre o Prêmio. A ideia de que a essência de todo concurso de design é ajustar o foco, refinar o olhar e ir depurando a visão em busca da excelência inspiradora é sugerida, de maneira elegante e com economia de recursos pela tabela para exames oftalmológicos proposta por Ilona Messenberg Szabo, jornalista residente em Bauru (SP). A sobreposição aparentemente caótica de mensagens, tipos e cores que encontramos na proposta do publicitário e artista plástico paulistano Franklin Silvério, por outro lado, evoca as intervenções do tempo e dos cidadãos às quais os cartazes estão sujeitos quando aplicados, replicados e substituídos no espaço da cidade —um cartaz que já nasce como retrato de seu destino futuro, e ao mesmo tempo aponta para a força da instituição que promove o Prêmio.

Entre os outros cinco trabalhos destacados pelo júri, encontramos propostas que se apoiam no uso bem resolvido, e eventualmente exclusivo, de letras, que fazem uso do humor, e que chamam a atenção para as qualidades táteis e interativas dos materiais e dos artefatos vernaculares. Este é o caso dos trabalhos de Gabriela Pagliusi Gennari e Tomás Stephan, alunos dos cursos de Arquitetura e Urbanismo e de Design da Universidade de São Paulo, e de Valquíria Lopes Rabelo, designer da empresa Guayabo, de Belo Horizonte (MG), que dão novo valor e significado a elementos comuns do dia-a-dia das cidades brasileiras, como o painel de avisos e o tapume de madeira. No jogo de ‘caçar palavras’ relacionadas às categorias do Prêmio, proposto pelo paulistano Daniel Marques, e no ‘calendário’ com retratos de escovas de dentes proposto por Jones Ishiki de Siqueira, Pedro Albuquerque Xavier e Rafael Ramón Paulino da empresa Neopop Branding & Design, de João Pessoa (PB), o convite à interação é conjugado com linguagem gráfica minimalista e rigorosa. Na proposta de Alan Montenegro, da Frila Comunicação & Design, de Curitiba (PR), a ideia de evocar graficamente esta edição específica do prêmio através de um elemento ‘encontrado’ foi resolvido pelo uso de uma peça de dominó, acompanhado por uma composição que remete ao “encaixe” que está na raiz do jogo e na harmonia procurada em todo produto de design.

A comissão selecionou, ainda, entre as inscrições que atendiam aos requisitos do regulamento, outros 152 trabalhos que representam a grande variedade de propostas enviadas, e que demonstram originalidade e competência na seleção e articulação de elementos visuais, para participarem da Mostra Concurso do Cartaz e concorrerem ao prêmio do público.

Agradecimentos

Um projeto tal qual o Prêmio Design Museu da Casa Brasileira demanda muitas cabeças pensantes, além de meses de planejamento e trabalho. Registro um muito obrigado para Meire Assami, Gerente do Prêmio MCB, juntamente a toda equipe do Museu. Souberam conduzir com maestria o processo. A minha distância não foi obstáculo, pois além da empatia, travei contato com um grupo dedicado no esforço para viabilizar o melhor trabalho possível.

Marcelo, da MAC Comunicação de Belo Horizonte, que soube com competência, técnica e comprometimento concretizar a produção dos protótipos dos cartazes.

As fotografias da premiação foram gentilmente cedidas pelo Museu da Casa Brasileira. Os créditos das fotos são de Vinicius Stasolla, Kazuo Kajihara, Eduardo Topal Marostica e Renato Parada.

(Projeto de 2017)

Integrante da Lagoa Participações, a Sense Bike é fabricante de bicicletas de alto desempenho, disposta a concorrer em qualidade e beleza com os grandes competidores globais. Carente de um showroom agregado ao ambiente corporativo, a Sense partiu para uma sede própria mais próxima ao mercado pulsante e comercial de BH.

Dentro de um projeto que envolveu a Hardy Design, BCMF Arquitetos e Atiaîa Lighting Design, desenvolvemos a estrutura conceitual e pragmática do espaço de trabalho, convivência, exposição e experimentação dos produtos. Pensar os múltiplos fluxos exigiu abordagem mais integradora, com pouquíssima compartimentação entre os setores. O que só se materializou a partir de um acurado estudo sobre conforto acústico e térmico, iluminação e distribuição espacial dos mais diversos elementos que compõem um ambiente de tal natureza.

A interpretação dessa ideia ganhou abrigo na figura dos raios, componente marcante que estruturam e dão leveza às rodas de uma bicicleta. A intenção é não só que as linhas atravessem, assim como conectem de maneira pouco habitual os departamentos, tendo seu eixo irradiado do showroom em que as bikes ficam expostas.

A tipografia e o desenho pictográfico dialogam com o caráter industrial da Sense. Pintura em estêncil sobre o piso complementa o sistema de identificação e circulação do espaço corporativo, procurando potencializar as noções de leveza, liberdade, aventura e diversão que estão intrinsecamente interligados ao trabalho sobre rodas.

Pela Hardy, tive a oportunidade de adquirir muitos conhecimentos com as equipes da BCMF e Atiaîa, a quem agradeço o empenho no projeto. Registro a importante participação da Mariana Hardy e André Coelho, Mariana Muchon, Átila Rocha, Cynthia Massote e Mirelle Bairral. Penso que, durante alguns meses, estivemos com uma roda na cabeça e muitas ideias nas mãos.

As fotos de registro do projeto são do Gabriel Castro (Reverbo).

(Projeto de 2016–2018)

No setor de Recursos Humanos, o Grupo Selpe atua na área de recrutamento e seleção de pessoas. Como parte do cinquentenário da instituição e, principalmente, da introdução do AssessFirst no mercado brasileiro, a Hardy Design foi contratada para revitalizar todo o Sistema de Identidade Visual, o que incluiria repensar o naming e a arquitetura da família de marcas do Grupo.

O AssessFirst pretende promover uma disrupção no processo tradicional de recrutamento humano. É uma ferramenta preditiva, isto é, intenta potencializar o êxito na seleção a partir do uso do big data, comportamento psicológico e perfil de trabalho, conectando pessoas e empresas com afinidade entre si. O candidato é agregado a um banco de dados composto por empresas e pessoas de todo o planeta. A partir de uma pesquisa, com parâmetros pré-definidos, o AssessFirst vai traçando gráficos e tecendo conclusões. Os relatórios que gera, além de úteis e curiosos, são atraentes.

Fato é que um dos gráficos, em radar, nos chamou bastante atenção. Um caminho possível seria entender o recrutamento de pessoas, que o Grupo Selpe se propõe a realizar, como um processo de seleção dos “melhores gráficos” a partir de determinada conjunção de fatores, expectativa, requisição da contratante e por aí vai.

Portanto, assim como na natureza – fonte de inspiração, metáfora e sustentação da identidade visual –, o processo de seleção, associado às condições do ambiente, fundamenta um resultado particular. Fomos logo remetidos ao simbolismo do geodo (cavidade oca encontrada nas rochas, cujo interior é revestido de cristais), traduzindo o Grupo Selpe como um espaço para a mineração das gemas mais valiosas do mercado de trabalho.

O geodo abriga as gemas. Contudo, elas precisam passar por um intrincado processo de lapidação. Pesquisar e conhecer um pouco sobre lapidação foi uma consequência indireta do projeto bastante gratificante. Da marca-mãe-geodo, alcançamos as submarcas, representadas, cada qual à sua maneira, como uma pedra preciosa. Solução gráfica atraente, com ampla possibilidade de desdobramentos.

Um detalhe curioso: há correlação entre os ícones das submarcas, os respectivos setores em que atuam e as formas das gemas. A lapidação do ícone do Selpe Executive, sênior e estável, é um quadrado. O Selpe Expert corresponde ao segmento que procura recrutar conhecimento especializado, daí um pin. Já o Selpe Talent, no que se refere aos jovens talentos, irradia, pois participa de uma fase de expansão das fronteiras pessoais e corporativas. Quando analisado o Selpe Multisservice, que corresponde ao trabalho na base da cadeia produtiva, fica patente a figura do triângulo. E, para fechar, o Selpe Advisory, pautado na consultoria de negócios, ganhou uma rosa dos ventos.

Esse projeto não seria possível sem as valiosas discussões com o André Coelho, a Cynthia Massote, a Mariana Hardy e a Mariana Muchon.

(Projeto de 2016–2017)

A Fundação Torino é uma escola internacional e acionou a Hardy Design com uma simpática demanda: desenvolver um projeto-piloto de sinalização e ambientação para a escola. Deveríamos começar pelo nível Elementare, o que corresponde à fase inicial de alfabetização das crianças. Para completar, nos foi imposta uma restrição: o projeto deveria estar implementado dentro do período de uma quinzena das férias escolares.

Os principais desafios advinham da própria natureza do ensino: nessa fase de aprendizagem, são realizados muitos projetos pelos alunos; não obstante, demarca a transição da interação manual para a visual. Isso quer dizer que é gerada e compartilhada uma profusão de objetos que precisam ser organizados no espaço disponível.

A educação é o lugar, por excelência, para exercer as mais intensas liberdades, por isso não seria uma opção delimitar áreas exclusivas, restringindo o uso e a composição do ambiente. Pelo contrário, a escola deveria ser um grande painel aberto à interação e colaboração.

Diante dessas variáveis, pensamos em chapas modulares de Eucatex perfurado. Material simples, econômico, durável e de viável manutenção e conservação. Espaços genuinamente interativos e de contemplação, que promovam uma unidade sem autoritarismo ou privação da liberdade de expressão. Feita a base comum nos corredores e salas de aula, desenvolvemos componentes em madeira adequados à quase totalidade das demandas mapeadas: quaisquer coisas poderiam ser suspensas, amarradas ou encaixadas.

No primeiro dia de aula, fiquei de tocaia para perceber a impressão e o impacto despertado nas crianças ao se depararem com o novo ambiente. É sensacional a manifestação que o design é capaz de provocar no ser humano. E a readequação dos espaços é um fator preponderante nessa relação.

O registro fotográfico é do Aurélio Sena. A Fundação Torino dispensa elogios, contudo ressalto a polivalência do André Carvalho neste projeto: agarrou a ideia e só sossegou quando estava tudo lindamente implementado. Impossível não revelar a grata surpresa de trabalhar com a equipe da Ernani Móveis. Viabilizou com perícia e astúcia a produção e instalação com uma qualidade e cuidado dignos de nota. Da Hardy, participaram Cynthia Massote, Mariana Muchon e Mariana Hardy.

(Projeto de 2017)