De uma demanda na PBH [chego, muitas vezes, a pensar que a letra B é de Bartleby], encontro a gênese deste projeto. Pode ser lido como uma crônica, uma crítica, um protesto, uma constatação e uma preocupação. Em 22 de fevereiro de 2018, testemunhei a supressão de uma árvore de grande porte – da espécie Sibipiruna – no Santo Antônio, bairro onde moro, localizado na região centro-sul de Belo Horizonte.

Não havia ainda tomado consciência, mas a operação executada me atinou para o fato de que diversas árvores de grande porte que faziam parte dos meus trajetos cotidianos vinham sofrendo supressões pela prefeitura. E, aparentemente, sem contar com uma política clara de replantio, já que muitas ruas vão acumulando e perenizando os tocos residuais das árvores outrora existentes.

Fui levado a abrir solicitações formais no “serviço de atendimento ao cidadão” – canal da PBH para registro e processamento das demandas da cidade – para a denominada destoca, isto é, a retirada dos tocos e raízes. Uma vez realizada a destoca da referida árvore, o pedido era para, na sequência, proceder com o plantio de nova espécime.

A solicitação de replantio foi prontamente denegada, já que só poderia ser atendida e executada após a destoca. Já a supressão do toco e respectivas raízes – após diligência do órgão responsável –, foi acatada e autorizada. Salvo detalhe: deveria ser observado o incrível prazo de 90 dias para a execução efetiva do serviço.

Cumprido o prazo, nada foi realizado. A partir de novas solicitações, caí no limbo: as demandas sempre retornavam denegadas, já que havia um protocolo previamente aberto e “em processamento”. Independentemente da execução, ou não, do serviço dentro do prazo máximo estipulado.

Com isso, já em processo avançado de resignação, passei a reparar uma ação sistemática: no acelerado processo de verticalização do bairro, os edifícios em construção suprimiam as árvores existentes nas calçadas e replantavam arbustos. Ou, lamentavelmente mais comum, não replantavam nada.

Passei a questionar se não teríamos, então, uma típica discussão sobre correlação e causalidade.

Por óbvio, são implicações. Contudo, tal correlação não implicaria em causalidade. Isto é, construir prédios no bairro Santo Antônio não é, necessariamente, a causa para a supressão das árvores das vias urbanas. Ou seria?

Diante de fenômeno tão complexo e multifacetado, é relevante observar a tomada de posição de arquitetos, urbanistas, engenheiros, construtoras, além, é claro, das demandas, interesses e requisitos que atraem os novos moradores que ocuparão os espaços.

É aquela velha e boa história: não é porque o galo e o nascer do sol estão fortemente correlacionados que a aurora é provocada pelo galináceo. Contudo, há efetivamente dois eventos relacionados, ocorrendo em sincronia impressionante: prédios subindo e árvores descendo.

As correspondências entre os dois eventos, que me parecem conectados entre si, pode até não apresentar uma relação de causa e efeito. Por que será, então, que o surgimento de um edifício induz, reivindica ou condiciona a supressão de uma árvore?

Donde surgiu o +ipê -apê. Faço uso dos tipos da Tanki Stencil – ressalte-se, mais um trabalho incrível do Ricardo Donato. Classificaria como um selo-protesto formado por uma assonância-aliterativa-delirante, convite para exaltar a relevância de se pensar os espaços e as relações na cidade. Pode ser um nada, um sussurro perto da força avassaladora e destrutiva que nossas ações no tempo vão impondo à configuração dos espaços urbanos. Mas é também um sinal de alerta. Afinal, habitar é também costume. Um hábito: quero dizer, uma indumentária e um comportamento.

(Projeto de 2019)

O ano de 2017 marcou minha participação e vitória em um dos prêmios mais tradicionais e importantes do design brasileiro. Acreditei em uma ideia, investi na sua execução e fui coroado na edição que, grata coincidência, ostenta o mesmo número do código de área de Belo Horizonte.

A proposta se materializa no cartaz em chapa de poliestireno amarela com corte especial e impresso em serigrafia a uma cor.

Pauta no protagonismo dos muros. Desde Trump e o muro mexicano, como o Walled Off Hotel, de Banksy, com vista para o da Cisjordânia. Ainda, a polêmica do prefeito de São Paulo, Doria, contra a pichação, reacendendo o debate sobre ocupação e expressão visual no espaço público.

Fiz uso do peso estêncil da família tipográfica Eames, da House Industries. Curioso notar que a Eames homenageia Charles e Ray Eames e honra o legado de dois dos principais designers de todos os tempos.

O cartaz evidencia seu recorte real, não simulado. Isso incrementa o impacto visual da peça gráfica, além de revelar a parede que o sustenta. Hibridiza ou mimetiza cada um dos espaços, tornando sua visualidade potencialmente única. O intenso amarelo da materialidade deixa patente um dos modos de demarcar a 31ª edição do Prêmio e, por que não, de nos reconhecermos brasileiros.

O prêmio

(Muitos dos textos aqui apresentados foram selecionados dos materiais de divulgação do próprio Museu da Casa Brasileira.)

O Prêmio Design MCB, principal e mais antiga premiação de design do país, deu início à primeira fase de sua 31ª edição com o Concurso do Cartaz. Com 362 inscrições, o trabalho vencedor tem autoria do designer gráfico Diego Rodrigues Belo, da AMO Design de Belo Horizonte (MG), que apresentou um cartaz em chapa de poliestireno amarela, recortado com faca especial e impresso em serigrafia a uma cor. A peça vai inspirar toda a identidade visual do 31º Prêmio Design MCB, realizado pelo Museu da Casa Brasileira, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo.

Os cartazes foram avaliados pela comissão julgadora coordenada pela designer gráfica Priscila Lena Farias e os integrantes Baixo Ribeiro, Luiz Félix, Ronald Kapaz e Tadeu Costa. Além do vencedor, o júri também conferiu menção honrosa a dois trabalhos e selecionou outros cinco destaques para serem exibidos no Museu na exposição do 31º Prêmio Design MCB, com abertura dia 11 de novembro.

Foram recebidos cartazes de 14 estados do país. A participação se dividiu entre designers (136 inscritos), arquitetos (45), publicitários e diretores de arte (22), artistas (7), fotógrafos (4) e estudantes – 115 inscritos de mais de 40 instituições de ensino do país. Participantes de outras profissões somam 33 inscritos.

Os jurados

Texto do júri


O Concurso do Cartaz para o 31º Prêmio Design Museu da Casa Brasileira teve 362 inscritos em 2017. Reunida em uma tarde de outono, no terraço do Museu, a comissão julgadora destacou oito trabalhos, entre eles o cartaz premiado e duas menções honrosas. Os trabalhos destacados exprimem, de maneira exemplar, as diversas propostas recebidas este ano, estabelecendo diálogos com o ambiente urbano, com materiais e artefatos encontrados no dia-a-dia, com a atividade de selecionar e premiar, e explorando associações sugeridas pelo número desta edição do Prêmio.

O cartaz vencedor, de autoria do designer gráfico Diego Rodrigues Belo, da AMO Design (Belo Horizonte), é feito de poliestireno amarelo, com letras recortadas — uma ideia atual, e que traz uma provocação. A escolha levou em conta não apenas a peça, mas a possibilidade de ela ser usada como matriz para reprodução por meio do estêncil, em diferentes suportes, desde uma camiseta até em muros. O autor soube escolher uma fonte robusta, apropriada para a exploração desse recurso, e a aplicou de forma coerente. O resultado é bastante sóbrio, ao mesmo tempo em que evoca a visualidade fora de controle das ruas das grandes cidades. Outro aspecto valorizado pelo júri é que o cartaz proposto possibilita diversos desdobramentos, tais como a inserção de mensagens visuais em seus vazios, que podem ser explorados com diferentes fundos, estáticos ou em movimento, algo conveniente uma vez que a peça será o ponto de partida para a divulgação do Prêmio.

Os dois trabalhos que receberam menção honrosa seguem correntes contrastantes de linguagem gráfica —o minimalismo e o vernacular—, resultando em soluções que sugerem visões bastante diferentes sobre o Prêmio. A ideia de que a essência de todo concurso de design é ajustar o foco, refinar o olhar e ir depurando a visão em busca da excelência inspiradora é sugerida, de maneira elegante e com economia de recursos pela tabela para exames oftalmológicos proposta por Ilona Messenberg Szabo, jornalista residente em Bauru (SP). A sobreposição aparentemente caótica de mensagens, tipos e cores que encontramos na proposta do publicitário e artista plástico paulistano Franklin Silvério, por outro lado, evoca as intervenções do tempo e dos cidadãos às quais os cartazes estão sujeitos quando aplicados, replicados e substituídos no espaço da cidade —um cartaz que já nasce como retrato de seu destino futuro, e ao mesmo tempo aponta para a força da instituição que promove o Prêmio.

Entre os outros cinco trabalhos destacados pelo júri, encontramos propostas que se apoiam no uso bem resolvido, e eventualmente exclusivo, de letras, que fazem uso do humor, e que chamam a atenção para as qualidades táteis e interativas dos materiais e dos artefatos vernaculares. Este é o caso dos trabalhos de Gabriela Pagliusi Gennari e Tomás Stephan, alunos dos cursos de Arquitetura e Urbanismo e de Design da Universidade de São Paulo, e de Valquíria Lopes Rabelo, designer da empresa Guayabo, de Belo Horizonte (MG), que dão novo valor e significado a elementos comuns do dia-a-dia das cidades brasileiras, como o painel de avisos e o tapume de madeira. No jogo de ‘caçar palavras’ relacionadas às categorias do Prêmio, proposto pelo paulistano Daniel Marques, e no ‘calendário’ com retratos de escovas de dentes proposto por Jones Ishiki de Siqueira, Pedro Albuquerque Xavier e Rafael Ramón Paulino da empresa Neopop Branding & Design, de João Pessoa (PB), o convite à interação é conjugado com linguagem gráfica minimalista e rigorosa. Na proposta de Alan Montenegro, da Frila Comunicação & Design, de Curitiba (PR), a ideia de evocar graficamente esta edição específica do prêmio através de um elemento ‘encontrado’ foi resolvido pelo uso de uma peça de dominó, acompanhado por uma composição que remete ao “encaixe” que está na raiz do jogo e na harmonia procurada em todo produto de design.

A comissão selecionou, ainda, entre as inscrições que atendiam aos requisitos do regulamento, outros 152 trabalhos que representam a grande variedade de propostas enviadas, e que demonstram originalidade e competência na seleção e articulação de elementos visuais, para participarem da Mostra Concurso do Cartaz e concorrerem ao prêmio do público.

Agradecimentos

Um projeto tal qual o Prêmio Design Museu da Casa Brasileira demanda muitas cabeças pensantes, além de meses de planejamento e trabalho. Registro um muito obrigado para Meire Assami, Gerente do Prêmio MCB, juntamente a toda equipe do Museu. Souberam conduzir com maestria o processo. A minha distância não foi obstáculo, pois além da empatia, travei contato com um grupo dedicado no esforço para viabilizar o melhor trabalho possível.

Marcelo, da MAC Comunicação de Belo Horizonte, que soube com competência, técnica e comprometimento concretizar a produção dos protótipos dos cartazes.

As fotografias da premiação foram gentilmente cedidas pelo Museu da Casa Brasileira. Os créditos das fotos são de Vinicius Stasolla, Kazuo Kajihara, Eduardo Topal Marostica e Renato Parada.

(Projeto de 2017)

A Palíndromo é uma publicação editada pela Rona Editora. Com periodicidade anual, explora um determinado tema a partir de diversas perspectivas, tais como fotografia, design gráfico, publicidade, arte, literatura. Em todas as edições, a Greco Design e a Rona organizam o processo, convidam colaboradores e produzem a revista.

A partir da definição do tema e do formato dos cadernos, cada colaborador tem total liberdade de criação e interpretação. A edição de número 4 trabalha o tema “espaço”. Os cadernos tiveram livre inspiração no formato dos jornais impressos, talvez um dos artefatos em papel que mais ocupam espaço na nossa vida cotidiana.

Vale notar que a publicação procura testar e exceder os limites de capacidade da Rona, trazer algo de experimental. Funciona não só como um portfólio institucional, mas também como um modo de envolver e gerar aprendizado para toda a equipe da empresa.

Sob a minha responsabilidade direta, nesta edição, recaíram o projeto para a embalagem e o caderno de produção gráfica. A embalagem é relativamente simples. Procura ser performática no ato de abertura, brinca com a capacidade do papel se expandir a partir de uma estrutura em sanfona, tal qual uma pasta de documentos.

PRODUÇÃO GRÁFICA

O caderno que explora o tema espaço sob a perspectiva da produção gráfica já é mais melindroso. Trabalhei com colaboradores de diferentes setores da gráfica. A ideia de trazer esses funcionários para dentro da criação do caderno foi uma demanda espontânea dos próprios profissionais, que consideramos autêntica e reveladora. E deliberamos, juntos, que seria interessante explorar o tema discutindo o controle no espaço gráfico.

Grosso modo, uma gráfica offset trabalha visando a perfeita reprodutibilidade técnica de um projeto. As variações e os acasos são considerados erros a serem combatidos. E se invertêssemos tal lógica e pensássemos num projeto que subverte essa noção? Foi assim que chegamos à ideia de trabalhar distintas perspectivas em relação ao funcionamento das cores. Para tanto, selecionamos a cor branca, a hexacromia e a tonalidade preta.

Foram criados três cartazes, que exploram o acaso e as minúcias técnicas que envolvem um projeto de design gráfico. O branco foi impresso com tinta branca, jogando luz sobre os limites da legibilidade. E antes de ser embalado sofreu um processo de esmagamento manual, o que revela tonalidades da cor branca, distintivas a partir das diferentes intensidades de sombra sobre o papel.

No cartaz da hexacromia, na esteira da Copa do Mundo de futebol realizada no Brasil, pretendíamos peças únicas, com diferentes variações em cada uma. Um “erro” que deu completamente errado. A máquina é tão perfeitamente calculada para repetir que, mesmo misturando seis cores em um mesmo castelo de tinta, o resultado do degradê é praticamente idêntico e invariável.

Em relação ao dedicado à tonalidade preta, considero o resultado dos mais memoráveis. Nenhuma surpresa que a indústria oferece uma ampla variedade de tonalidades dentro de uma mesma cor. No caso da preta, selecionamos 18 para demonstrar as nuances de cada uma delas. Para tanto, utilizamos uma zebra, indicando em cada listra uma determinada variação da cor. Quem já acompanhou um processo produtivo dessa natureza entende que é uma tarefa das mais audaciosas imprimir em 18 cores. E para complicar um pouco mais, a pata da zebra foi executada em hot stamping (preto!). O resultado, ao vivo, é muito bonito e curioso. Causa perplexidade constatar que aquilo que chamamos cor preta não é assim tão determinada como poderíamos imaginar.

O crédito de grande parte dos registros fotográficos é do Rafa Motta. Lembro que, dada a natureza colaborativa do projeto, muitas pessoas de diferentes expertises e lugares – Greco, Rona, os profissionais convidados – se envolvem e fazem um produto tão interessante vir à tona. É muito bom participar de um projeto com esse caráter. Lembro, especialmente, das muitas noites e madrugadas na companhia do Allan Alves – produtor gráfico – na Rona para viabilizar e executar todo o projeto. São momentos exaustivos, mas de grande aprendizado e motivação. Guardo uma lembrança persistente: dada a complexidade e especificidade de cada caderno, enquanto algumas máquinas do parque gráfico produziam um milhão de caixas de medicamentos, nossos cadernos não conseguiam alcançar a marca das 500 unidades impressas. E isso significava orgulho e satisfação: mesmo que não fosse, propriamente, uma luta contra as máquinas, tínhamos a certeza de que estávamos vencendo.

É um projeto de design. Mas poderia ser uma aula de história, arquitetura e urbanismo, modernismo brasileiro, planejamento de Belo Horizonte. O Conjunto Moderno da Pampulha é formado pelos edifícios e jardins da Igrejinha, MAP (antigo Cassino), Casa do Baile, Iate e o espelho d’água no trecho que os articula.

A prefeitura de BH, através da Fundação Municipal de Cultura e por meio do IEPHA e do IPHAN, elaborou um projeto para submeter o Conjunto a um processo de candidatura para integrar a lista do Patrimônio Cultural da Humanidade da Unesco.

A nós, na Greco Design, coube estruturar o conceito e a tradução visual da importância cultural que representa a Pampulha para a sociedade global. A proposta é simples: a Pampulha só existe enquanto conjunto. A arquitetura de Niemeyer, o paisagismo de Burle Marx e o espelho d’água são, por assim dizer, únicos e indissociáveis. Para lermos “Pampulha”, devemos viver a Pampulha. O Conjunto é irreproduzível.

A solução parte do desenho tipográfico, que sugere a palavra Pampulha construída em três camadas. Elas podem se dissociar, porém sob o risco da ilegibilidade. Três trabalhos de tipografia foram especialmente importantes na fase de pesquisa do projeto: as famílias tipográficas History e Julien de Peter Bil’ak e a Nebulae de Luc(as) de Groot.

O projeto contou com a direção de criação do Gustavo Greco, apoio incondicional do Tidé e da Emília Junqueira, produção gráfica do Allan Alves e consultoria em tipografia do Rafael Neder. Cabe um registro pela especial contribuição de uma extensa ficha técnica de todos os agentes que participaram com atenção e dedicação no desenvolvimento do projeto. Uma baita equipe interdisciplinar (dos zeladores ao prefeito, passando pelos arquitetos, pesquisadores, historiadores e tantos outros), sempre disponíveis para atender nossas demandas e requisições.

Em linhas gerais, o PlugMinas é um projeto do Governo de Minas em parceria com agentes da iniciativa privada voltado para o aperfeiçoamento de jovens em áreas diversas, tais como artes visuais, dança, empreendedorismo, línguas. O espaço em que está localizado guarda um simbolismo forte: funcionou durante anos como uma unidade da FEBEM. Foi revitalizado, transformado e atualmente forma jovens – em sua grande maioria, de baixa renda – para novas perspectivas de carreira.

Um dos grandes desafios de comunicação do PlugMinas sempre foi sobreviver aos diferentes interesses envolvidos, ora governamentais, ora dos agentes de financiamento e também gerados pela rotatividade dos responsáveis pela gestão do espaço.

A pluralidade de vozes causava uma cacofonia na comunicação, e cada qual à sua maneira procurava estabelecer determinados padrões (ou nenhum padrão) incapazes de promover coerência e a identidade do centro de formação das juventudes.

A Greco Design foi contratada com o intuito de construir a voz institucional do conjunto, estabelecendo as diretrizes de comunicação e de toda a identidade visual do PlugMinas. Um trabalho extenso, em que procuramos respeitar interesses os mais diversificados, direcionar o tom de comunicação sem engessar a pluralidade ou a vitalidade inerente a um espaço incrivelmente contagiante.

Da demanda surgiu um manual, que procura alicerçar as bases estruturais que comandam e promovem a convergência das necessidades de comunicação do PlugMinas. O Sistema de Identidade Visual pretende resgatar, introduzir e popularizar alguns ensinamentos canônicos do design gráfico e áreas correlatas. Demos ênfase aos trabalhos de Villard de Honnecourt, Jan Tschichold, Massimo Vignelli, Athos Bulcão. Assim, não apenas plantamos as diretrizes como procuramos expandir o olhar para as possibilidades projetivas. A Ubuntu – termo que pode ser traduzido como “sou o que sou como consequência do que somos” –, belo projeto tipográfico Open Source do Dalton Maag, foi adotada como fonte institucional e contribui para o fortalecimento da identidade.

O SIV fomenta o posterior sistema de sinalização, além de possuir dinamismo capaz de traduzir a relevância do PlugMinas na vida de centenas de pessoas. É rara a cumplicidade, confiança, liberdade e atenção à estratégia estabelecida. Foram muitas pessoas envolvidas durante meses de projeto. Ressalto a importância da Bella Campos, Renata Coutinho, Laura Bastos e Adriana Barbosa como figuras fundamentais para alcançar resultado tão abrangente quanto complexo. Ainda destaco o Victor Fernandes, na Greco, que estruturou o projeto de cabo a rabo. Por fim, e não menos importantes, o Gustavo Greco e o Tidé foram parceiros necessários para corrigir os rumos, apoiar os riscos e orquestrar os desafios.

Inegavelmente, a cultura cartazista é uma das mais ricas e profunda experiência de design. Penso o cartaz como uma peça que não grita. Pelo contrário, murmura, atrai e abraça.

Madama Butterfly narra o amor de uma gueixa abandonada por um marinheiro. Nós, na Greco, elegemos o (re)encontro como fio condutor para a comunicação e buscamos retratar a esperança (ou seria ilusão?) desse momento.

Procuramos trabalhar em duas vertentes para gerar as soluções. A primeira, inspirada pelo indescritível Seascape do fotógrafo japonês Hiroshi Sugimoto, o horizonte marinho é retratado, no que pode ser definido como uma iminência poética.

A segunda versão ilustra uma passagem da Ópera, promessa do americano para a gueixa, e representa, esteticamente, outra ótica possível.

Não dá para deixar de narrar um acontecimento ocorrido na apresentação do projeto para o maestro regente, Gabriel Rhein-Schirato. Ao ver o cartaz do horizonte marinho, ele o traduziu e começou a cantarolar um trecho da Ópera, numa mágica relação sinestésica com a qual nunca imaginei possível ocorrer em um projeto que participara.

Gustavo Greco e Laura Scofield alicerçaram a elaboração, condução e refinamento de todo o processo. O Alexandre Fonseca manipulou as imagens.

A Mendes Júnior completou, em 2013, 60 anos. Para marcar o Jubileu de Diamante – uma feliz coincidência com o símbolo da empresa – foi criado um selo comemorativo que é aplicado nas peças institucionais. O desenvolvimento procurou atender à multiplicidade de usos, em uma solução dinâmica e rica em sugestões, de significação latente e universal.

A partir da apropriação das espirais logarítmicas de proporções áureas é sugerida a capacidade singular da Mendes Júnior em unir as partes interdependentes que a constitui. O selo sintetiza a trajetória – permeada de desafios e conquistas – e, ao mesmo tempo, direciona o olhar para um futuro promissor.

O desenvolvimento contou com todo o apoio e infraestrutura da Greco Design, com a direção de criação do Gustavo Greco e a participação do Tidé.

Na conjuntura da reformulação da estrutura e do corpo médico de uma tradicional clínica radiológica da região do Barreiro, em BH, fui convidado a realizar uma ruptura em sua comunicação visual. Do passado, só restaram o nome e a história.

Parafraseando Bruno Munari, a solução do problema se encontrava dentro do próprio problema. O conhecimento e a técnica de leitura dos exames carregava em si o partido no qual desejava assentar e desenvolver o projeto. Por um lado, a própria marca se apresenta radiografada. E por outro, há no uso das texturas de papel marmoreado um jogo em que, além da fruição estética, parece que nós – leigos – estamos diante de uma espécie de raio X.

Sou grato pela oportunidade de trabalhar com os quatro sócios da clínica, que acreditaram e financiaram a realização de um projeto ousado para o setor em que se insere. E, acima de tudo, por concederem imensa confiança, dedicação e liberdade de criação durante todo o período de execução. Vale o registro que a criação do texto da peça promocional é do Zé Celso. É impossível não citar também a importância de Montse Buxó e tantos outros artistas que realizam lindas obras através da técnica de marmorização de papel.

O Congresso Nacional de Psicanálise, Direito e Literatura é um evento peculiar. Nasceu da vontade de um grupo de pesquisadores em encontrar uma interseção entre essas três áreas do conhecimento e buscar profundas reflexões a partir de diferentes temas.

O I CONPDL apresenta alguns detalhes curiosos. Desconfiados do verdadeiro valor do design como fator importante para o sucesso de um projeto, os organizadores não estavam muito interessados em investir de forma sistêmica na divulgação do congresso.

Foi, então, que tive a oportunidade de colocar em prática uma ideia que já vinha maturando há tempos. O pagamento ficaria parcialmente condicionado ao número de inscritos no evento. Uma espécie de royalties sobre participantes. Arriscado. Mas deu muito certo. E nos deixou – clientes e eu – felizes e entusiasmados com a possível perenidade do CONPDL.

Sobre a execução em si do projeto, é importante ressaltar o desenvolvimento do selo. Inicialmente pensado apenas para o I CONPDL (por isso, a metáfora das aspas enquanto peixes), nos anos seguintes acabou sendo incorporado como assinatura oficial.

E o tema. Para traduzir o universo rosiano, a produção gráfica entrou em ação. Serigrafia – com tinta branca – sobre kraft em todas as peças. O cartaz, 66×96cm, ao mesmo tempo em que gerou cobiça (foi bastante disputado e sumia das paredes em dias), também trouxe alguns problemas para os organizadores. Em diversos lugares, foi proibido afixar a peça dada as suas dimensões amazônicas!

II Congresso Nacional de Psicanálise, Direito & Literatura

ESTÉTICA DA EXISTÊNCIA

O II CONPDL nasceu a partir das ideias de um autor que me é muito caro: Michel Foucault. Sob o mote da “Ética e Estética da Existência”, o congresso objetivava discutir “práticas refletidas e voluntárias das quais os homens não somente fixam regras de conduta, como também procuram se transformar, modificar-se em seu ser singular e fazer de sua vida uma obra que seja portadora de valores estéticos e responda a certos critérios de estilo”.

O Caleidoscópio surgiu como um representante dessa estética multifacetada, múltipla e em constante descobrimento. Da letra “E”, vários padrões foram criados, que deram uma tradução metafórica e imagética ao tema da edição do II CONPDL.

III Congresso Nacional de Psicanálise, Direito & Literatura

HOMEM. LOBO DO HOMEM.

Um tema complexo e pouco interessante no primeiro olhar: “Responsabilidade. Resposta.”, a partir do teórico Jean Laplanche. Em certo momento do briefing, surgiu o adágio “O homem é o lobo do homem”. Bastou para revelar a potencialidade da discussão, além de tornar o desafio instigante.

As manchas de Rorschach foram a inspiração para o desenvolvimento conceitual. Convite à contemplação e à associação, possibilitam a formulação de respostas a partir de nossas interpretações, colocando à prova as funções psíquicas de percepção, atenção, julgamento crítico, simbolização e linguagem.

Com notável ilustração do Guerrinha, propusemos o lobo, um lobo malvado, mas que não fosse capturado pelo voo de um simples olhar.